El Factor Jeff Lynne

Cuando Jeff Lynne disolvió la Electric Light Orchestra en 1986, tras editar "Balance Of Power", no se imaginaba tal vez todo el trabajo que tendría por los siguientes 10 años.
Ese año, la ELO se despedía de los escenarios compartiendo cartel con George Harrison. Allí el ex Beatle hizo buenas migas con Jeff y lo invitó a producir su disco solista "Cloud 9" (1987), donde además de participar en guitarras y bajos, se codeó con los amiguitos del Dark Horse, Ringo Starr, Elton John y Eric Clapton. Luego de la salida de este exitoso álbum, George quiso escribir un lado B para uno de los singles de Cloud 9, y entre amigos que se iban juntando para tocar en ese tema (Handle With Care) nacieron en 1988 los Traveling Wilburys, esto es Lynne y Harrison más Bob Dylan, Tom Petty y Roy Orbison. las sesiones fueron producidas por los dos primeros, pero Lynne se impone con un sonido que ya se va haciendo familiar.

Ese mismo año, Lynne estuvo en la consola de sonido para dar forma al que sería el último registro de Roy Orbison : "Mystery Girl", ya que el Hombre de Negro fallecería en diciembre de  1988, justamente el mismo día que "You Got It" llegaba al Nº 1. El tema fue compuesto por Orbison, Lynne y Tom Petty
Luego llegó el turno de un disco solista de este último sin sus Heartbreakers: Full Moon Fever, en 1989, que por la ausencia de Dylan, no fue un segundo disco de los Wilburys cantado íntegramente por el rubio de Florida, donde el hit "Free Fallin" fue compuesto por el barbeta Jeff...
Al año siguiente, los Wilburys se reunieron para de algún modo rendir homenaje a Roy en el segundo disco titulado "Vol 3" (por eso se rumorea que el Vol 2 es en verdad "Full Moon Fever"). Tambien Jeff Lynne editó su primer disco solista: "Armchair Theatre", donde particia Harrison en guitarras y coros
Tras trabajar en 1991 ahora sí con Petty y los Heartbreakers en su genial "Into The Great Wide Open" (que incluye "Learning To Fly" y el tema que bautiza el disco) dedicó 1992 a darle forma al disco póstumo de Roy Orbison "King Of Hearts" y a supervisar la mezcla de la grabación de los conciertos ofrecidos por George Harrison junto a la banda de Eric Clapton que devinieron en el doble "Live In Japan". Ese mismo año 1992 fue uno de los productores responsables de la vuelta triunfal de Ringo Starr con "Time Takes Time". De este modo Lynne ya había trabajado con dos de los tres Ex Beatles sobrevivientes...
Es por eso que las piezas se juntan y en 1994 (continuando en 1995) Jeff fue encomendado por George, Ringo y Paul McCartney para trabajar en el ensamble de viejas grabaciones en cassette de John Lennon, reuniendo de una manera muy particular a los Beatles con Free As A Bird (editado en 1995) y Real Love (en 1996) como parte del megaproyecto "Anthology".

Ya en 1996, con las tres partes de Anthology en la calle, Paul sabía muy bien que contar con Lynne en la producción sería un detalle más que interesante (al principio estuvo reacio a que el  exlíder de la ELO moldeara el sonido de los Beatles, promoviendo a George Martin), es por eso que Jeff Lynne fue el principal productor de "Flaming Pie" (editado en 1997), donde además de las canciones características del viejo Paul, se pueden escuchar también esas baterías secas, esos coritos y además la batería de Ringo, por lo cual además hay un puente con la Antología...
Sugiero escuchar estos discos

1-George Harrison,Cloud Nine
2-Traveling Wilburys, vol 1
3-Roy Orbison, Mystery Girl
4-Tom Petty, Full Moon Fever
5-The Beatles, Free As A Bird / real Love
6-Paul McCartney, Flaming Pie

Freddie Mercury (5 de Septiembre de 1946)

Leyenda por decisión propia, Héroe de la vida y Maestro del Rock. A pesar de ser contemporáneo, llegué tarde a Queen, lo primero que escuché fue "Who Wants To Live Forever" en Cuarto Año de la secundaria ya en 1992 y me mató. ¿Quién podía cantar así? Solo el. Años más tarde comencé a comprar de a uno sus discos y disfrutarlos como un vino que con el tiempo ha añejado haciéndolo más delicioso aún. Y su música se niega a envejecer tal como el lo hizo. Escuchar esos arreglos de rock, de pop, de dance y de ópera solo me hacen -disculpen- despreciar a los grupos de hoy. Y más teniendo en cuenta que Freddie, con el sida minándole su salud, entraba a estudios para entregar su alma en forma de canciones inmortales y en estos tiempos tenemos que aguantarnos señores que dicen cancelar una gira por "agotamiento físico y mental" ¿se dan cuenta lo que quiero decir? ¡Por Dios, que grandes son algunos y otros tan chiquitos! 
Queen en 40 años de carrera solo con la mitad (cuando estaba Mercury) le alcanza y le sobra para dejar a todos los que vinieron después boquiabiertos y pagando. En su música estaba todo, desde las canciones con blend "Beatle" (Need Your Loving Tonight, el paso de vaudeville de Killer Queen) el pop negro (Another One Bite The Dust), el rockabilly made in Elvis (Crazy Little Thing Called Love), el funk rock con el cual 10 años después triunfarían los alucinantes Red Hot Chili Peppers (Dragon Attack), el heavy metal (varios pasajes de los dos primeros discos y otros temazos de la etapa final, como The Hitman, en Innuendo) y la consabida pata operística, cuya máxima expresión es Bohemian Rhapsody , ya indiscutiblemente la mejor canción de rock de todos los tiempos. 
Podría estar horas escribiendo sobre la maravilla que es la música que nos dejó este Grande. pero hoy solo diremos: Feliz cumpleaños, donde quiera que estés.

Nirvana (2002)

6 años y medio después de la muerte de Kurt Cobain, el resto de la banda decidó editar un compilado de grandes éxitos llamado simplemente como la banda, en una tapa cuasi fúnebre, austera, de riguroso negro con las letras en plateado. Una forma de ver lo que fue la misma banda: un brillo con una oscuridad alrededor que no se suponía al menos peligrosa hasta el tremendo fuck you de Kurt volándose los sesos.
El disco comienza con "You Know Your're Right", que solo tiene la particularidad de ser la primer canción inédita de Nirvana tras el suicidio de su líder (tras aquel hecho, sólo se editaron registros en vivo: Unplugged en 1994 y From The Muddy Banks Of The Wishkah en 1996) y no más que eso, ya que si bien contiene el "sonido Nirvana" o sea el Grunge, no va más allá de la anécdota por no ser una canción que llegue siquiera a los momentos más flojos de In Utero o Bleach.
Luego arranca desde el primer disco de 1989 con la canción que menos lo representa: "About A Girl" o como agarrar "With The Beatles" y pasarlo por una procesadora punk rock. Luego de pasar "Been A Son" (la versión correspondiente al EP "Blew") y Sliver (single que luego salió en "Incesticide") llega el tanque que finalmente hundió la psiquis del rubio, cuando en realidad el se reía de su generación: "Smells like teen spirit". De ahí en adelante, todo es conocido hasta el hartazgo- "Come As You Are", "Lithium" e "In Bloom", pero aún así da gusto volver a escuchar esas explosiones de rabia convertidas en canciones con un excelente audio gracias a la mano maestra de Butch Vig.
El trío de Cobain, Grohl y Novoselic se las ingenió para sacarse de encima las esquirlas de la fama de Nevermind y sacaron "In Utero", que en un momento se iba a llamar "I Hate Myself And I Want To Die" (ninguno se dio cuenta que el petiso no jodía...) con canciones mucho más ásperas, más cercanas a Bleach, pero con un intento de limar sus puntas por parte de Steve Albini (productor de los Pixies y las Breeders)  y Scott Litt ( este último habitual colaborador de REM, banda favorita de Kurt): De allí provienen "Heart Shaped Box" (una de las canciones remezcladas por Litt, pero cuya versión incial aparece en este álbum) "Pennyroyal Tea" (el single que iban a lanzar en abril del 94, cancelado tras la muerte de Cobain) la corrosiva y muy polémica "Rape Me" y "Dumb", que podría tener un parentesco lejanísimo con "Eleanor Rigby" de The Beatles...
Para el final, Nirvana (el álbum) guarda tres de las grandes joyas de ese bellísimo Unplugged que dejaba suponer los pasos de la banda de no haber sucedido el "Big Fuck" de Cobain: "All Apologies", el cierre de In Utero que acá consigue un desarrollo mucho más que intersante gracias al cello, "The Man Who Sold the World" que fue una sorpresa absoluta - Cobain versionando a Bowie!! - y el aterrador tanto como sublime cierre con "Where Did You Sleep Last Night", con Kurt aullando por última vez de la mano de todos sus fantasmas, que lo llevarían pocos meses más tarde a un final que venía gritando hace años.
En un caso único, Nirvana como banda ha sido un movimiento en sí. El grunge fueron ellos y solo ellos, poniendo a otras bandas como representantes de la movida solo por vivir en Seattle, aún con perdón de Pearl Jam, Sound Garden y Alice In Chains, grandes bandas de hard rock americano y metal con grandísimas canciones, pero que no tocaron la fibra sensible como lo hicieron los de Aberdeen.

The Beatles, And In The End... (1970 - 2013)

Para quienes amamos la música, la separación de una banda a la cual seguimos es un dolor extraño porque de todos modos la música seguirá allí cada vez que se nos ocurra, como mínimo, poner un disco. Me pasó con Soda hace casi 15 años pero con los Beatles no, ya que aun faltaban 5 años y medio para que quien escribe esto asomara el marote por primera vez y 15 para que escuchara "A Hard Day's Night" por vez primera. Pero igual pasa algo parecido a un largo suspiro por el lado de la nostalgia, cosas de la mitología y las leyendas cuando se acerca una de estas fechas (las otras son el 29 de noviembre y el 8 de diciembre). Y ,qué duda cabe, que John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison lo son. Cada uno de ellos y en el principio bajo un mismo nombre que equivale a magia. Probablemente los Beatles sean la banda más escuchada y menos vista, ya que tocaron apenas 6 años en vivo... pero es indudablemente la más amada y más allá de las movidas del marketing, la salida de un "nuevo disco" de los Fab produce una sensación que solamente conocen los beatlemaníacos que desde hace 43 años siguen emocionándose al escuchar "Hey Jude", "Day Tripper" o "Something".
La disolución de los Beatles - el abandono de Lennon en 1969 y la confirmación de Paul al año siguiente en un día como hoy - es un dolor de crecimiento por el cual ellos y su música debieron pasar. Y nosotros, por supuesto, también. All Things Must Pass
Sin embargo siempre que se aborda cualquier momento de la historia beatle se lo hace de un modo similar al de la historia de... ¿Jesús?... ¿Al final Lennon no estaba tan errado?. Y hoy 10 de abril es una fecha doblemente significativa, ya que el anuncio de la ruptura va de la mano de la edición del primer disco solista de Paul, llamado justamente "McCartney", así, solo, sin el "Lennon / " que lo antecediese. Un golpe al centro de los sentidos de los beatleros de esa época.
Más allá de los datos y citas y frases que se han copiado y pegado hasta el hartazgo, e incluso mucho más allá de la decisión de sus propios integrantes, a 43 años los Beatles siguen más vivos que nunca. Y de ninguna manera es una frase hecha. Es toda una realidad. Al menos dentro de cada corazón que vibra co "I Want To Hold Your Hand".

Miguel Abuelo - 26 de marzo (1988 - 2012)

El eterno duende, el saltimbanqui, el Artista. Miguel Abuelo es, transcurridos 24 años de su muerte, aún para muchos un misterioso universo a descubrir.
Ya con los Abuelos de La Nada (los ultrafamosos de los años '80 o los casi desconocidos de los '60) o solista, Miguel siempre echará luz sobre la pálida tristeza y convertirá magicamente el ambiente con solo un saludo. Buen día, día.
Fue el primero que nos demostró que el Sueño Beatle se podía vivir en la Argentina y en castellano. Como prueba perenne de eso ahí está "Diana Divaga", la réplica del sismo de Liverpool en Plaza Francia. Y dos años antes que apareciera el Flaco Spinetta con Almendra.
También fue uno de los capitanes de la modernidad del "poptimismo" de hace 30 años junto a Soda, Virus y Los Twist, y tan importante fueron los Abuelos en esos tiempos que de esa banda surgieron nombres como Andrés Calamaro (que había pasado por Raíces, pero sus canciones resonaron junto al Abuelo) Cachorro López y Daniel Melingo.
Su muerte, junto a la de Federico Moura, apenas 9 meses después, le puso fin a la década de los 80 y comienzo a los alertas con un tema serio como el HIV.
Sin embargo, lejos de morir, su obra cobró otra dimensión con el tiempo. Tal vez no se hizo ícono como Luca o Pappo. Miguel se abre paso en lo eterno con sus canciones, con eso basta.
Más allá de toda pena, siento que la vida es buena hoy

Cerati / Melero - Colores Santos (1992)

 

"Colores Santos" apareció entre marzo y abril de 1992 y fue una verdadera bomba musical, aun para los seguidores de Soda Stereo. Capas y capas de guitarras, voces susurradas, solos de guitarra inspiradísimos y sonidos electrónicos conformaron ya no un disco, sino una obra de arte que no ha sido superada 18 años mas tarde ni por los propios Soda, que medio año después lanzaron el psicodélico y caótico "Dynamo", acaso una secuela de este objeto de arte firmado por Gustavo CeratI Y Daniel Melero.
"Vuelta por el Universo" inicia el viaje y es verdaderamente el sountrack de una incursión espacial con la suavidad de la voz de Cerati, que se había perdido un poco en la hostilidad de "Canción Animal". Extasiados los oídos de tanta ensoñación nos mete el disco en "Marea de Venus", un tema divertido que enumera nombres de chicas (reales o ficticias) junto a situaciones y caracteríaticas o estereotipos... hay guitarras sampleadas o directamente de sintetizadores, gesto rockero y provocador si los hay.
Me sigo fijando en la lista de temas que el cd reproduce de la contratapa del vinilo y prosigue la misteriosa y sexy "Pudo Ser". La voz de Carola Bony me sugería cosas imposibles (ja) y el tema en si es un ¿blues? No... Daniel no permitiría algo así y dispara teclados (aunque bien puede ser Gustavo) sobre el final, en fade out y con gemidos que te dejan carburando. El momento cachondo se suelta con "Quatro", en donde Cerati y Melero nos llevan a una disco europea sin escalas. Dee Lite en un tono más kitsch nos ofrecían por esos años los mismos sonidos hipnóticos invitando al dance o al trance.
"Hoy ya no soy yo" nos muestra una excelente canción firmada por la dupla, confesos admiradores de Lennon/McCartney y que se puede notar en este tema que ya es un clásico.

¿Qué se puede decir de "La Cuerda Planetaria"? Que es el delirio de dos lunáticos experimentando en el estudio y sacando a relucir la palabra más esquiva a nuestros rockeros nacionales: Riesgo. Cerati extendiendo los límites como estrella del mainstream y Melero surgiendo desde las profundidades del Under y bajo su capa (recordemos su condición de científico loco) asoman sus criaturas que tiempo mas tarde castigarían los escenarios de Buenos Aires (Babasónicos, Juana la Loca, Die Blumen etc...) en este tema se esconde esa revolución sónica que habría de desarrollarse desde ese momento...
La calma de playa de "Cozumel" nos seda y prefiere acariciarnos al atardecer. Desde la compactera viene esa brisa de dos voces ("el aire ríe")  Delicioso.
Hay cierta dureza en "Tu medicina" y la presencia tecno de Melero se aleja por completo aquí para que el rock de Gustavo Cerati se imponga en esta elegía a la muerte de su padre ocurrida en ese tiempo. El solo se le pone a la par al de "Génesis" grabado 4 años más tarde.
"Alborada" (que lo recuerdo ahora y no estaba en el LP) precede al último tema y es un soundscape que por ese entonces era algo inédito en los discos y cierra el tema que da nombre al disco, entre "Cae el Sol" y "Un millón de años Luz" para dejar en la historia del rock argentino un disco irrepetible y al punto tan de estudio que jamás fue presentado en vivo.

Celeste Carballo - Chocolate Inglés (1992)

Precedido por un maxi publicado en 1991 (Celeste Carballo en Buenos Aires), la artista sorprendió al año siguiente con un álbum que se metió bajo la piel de mucha gente, llegando incluso al nivel que hay personas que sin ser seguidores de Cece, son fanáticos de este disco.
Chocolate Inglés es un trabajo amable en todos sus aspectos, divertido y casi casual, sin poses. No cuesta mucho imaginar a Celeste en su casa armando las canciones para luego llevarlas al estudio y que allí siga esa sensación de intimidad y calidez que recorre el álbum. Tal vez por esta razón, Chocolate Inglés dialogue relajado con discos como "Pelusón Of Milk" de Spinetta y "Amor Amarillo" de Gustavo Cerati.
"Todo Empieza" inicia el viaje con el sol de la mañana y la brisa entrando en la ventana junto al ruido de las hojas en otoño y esas notas con acústica redondeando el concepto. La letra es sencilla y  hermosa, y es una de esas canciones que te acompañan en momentos de la vida, así como "Let It Be" de los Beatles
Luego llega el blues nuestro de cada disco, un cover de "Hablando a Tu Corazón" de Charly, en un tono que nos anticipa por 4 años el sonido que nos traerá alguien como Sheryl Crow. Sutil

"Marcando el compás" con tecladito es divertida y hasta la hizo en TV junto a Juana Molina, se nota la improvisación y lo que disfrutó la cantante al grabar este tema. Igual matiz adquiere "Cuatro Brazos, Cuatro Piernas" grabado un año antes y de un modo más rocker por Fabiana Cantilo en su exitoso "Algo Mejor".
"Siempre con vos"  es otra gema pop que sirve de bisagra para pasar al segundo acto de Chocolate Inglés. Y acá hay una conjunción única : "El Día Que Me Quieras", de Carlos Gardel, tocada magistralmente por Charly García, en la Voz (sí, con mayúsculas) de Celeste Carballo. Encima el video muestra a Julio Bocca mostrando su grandeza y a esos dos grandes amigos que son Charly y Celeste.
"Están Sonando Campanas" llega como una dulce canción de amor, pero no precisamente del amor de pareja, del erotismo, sino del entendimiento y de sentirse bien en todo nivel. "Glosa de Navidad" trae un toque melanco con algún que otro acorde menor y luego llega otro amigote a cantar. Se trata de Andrés Calamaro para cantar a dúo "El Chino" que fue hit y hasta integró la lista de temas de una compilación que daba cuenta de los 40 años del Rock Nacional.
Para finalizar, queda el tema que le dió título al disco, firme y emocional blues al piano que Carballo ha venido interpretando ocasionalmente en estos 20 años desde que apareció.
La edición en CD incluía como bonus tracks al final los cuatro temas del maxi "Celeste Carballo en Buenos Aires": "La Otra Orilla" "Yo no te pido" (interesante lectura del clásico de Pablo Milanés), el tangueado "Tu Amor es Lila" y "Queja" (musicalización de un poema de Alfonsina Storni a cargo de Celeste Carballo). Un disco soleado de las manos y el corazón de una artista escencial de la música argentina 

The Kavanaghs - Love Conquers Pain (2011)

Si hubiese dicho "Los Kavanaghs lo hicieron de vuelta" estaría siendo injusto. No lo hicieron de vuelta, no repitieron la fórmula del primer disco (The Kavanaghs, 2009). Este es un nuevo sonido de la banda rosarina, sin perder de vista a sus referentes,
pero sintonizando lo que hoy se puede escuchar en varias bandas (los anteriores registros de los Strokes, los Fleet Foxes, lo más rock de los dos últimos discos de Gustavo Cerati). Sin copiarlos, manteniéndose fieles a su estilo y al mismo tiempo quebrando cierta premisa retro que se permitieron en el debut, incluyendo la cita en la tapa a las fotografías de Robert Freeman...
Tonight es un rockazo  y muestra las cartas sónicas que la banda juega en este disco nuevo y Come On
amaga en el principio hasta que explota entre pianos y ¿sonidos electrónicos? en el estribillo.
It's Real anda en los senderos de los queridos Badfinger pero también suena al Queen de fines de los 70 (tal vez por el solo)
El cuarto tema es un homenaje a la diosa de la serie Los Vengadores Emma Peel (Diana Rigg). En el primer disco de la banda hay un tema llamado "Friday on my mind"que me hizo imaginar a Bárbara Feldon (la Agente 99 de "Get Smart") corriendo con esas botas largas por los techos del centro de Rosario.
Ahrora la imagen es  Tiago con un bombín a lo John Steed.
Something's about to happen es tan breve como amena que actúa como pasaje hacia el segundo acto de esta obra...y aparecen otra vez los sintes, que al parecer vinieron para quedarse.
That's all you need to know es una gran canción que no hubiese
desentonado en el debut de 2009, pero que acá se luce gracias al kilometraje y su consecuente cohesión que adquirió la banda en este tiempo. Otro lindo momento es la intro armónica de Those Days, que es la canción que encaja con la tapa del disco, con un aire campestre, de paseo al mediodía en primavera
bajo estos cielos tan azules y claros.
Un piano brit abre About Tomorrow, la balada del disco. Melancólica como esas escenas de gente solitaria que camina hacia ningun lugar y se cruza con otros tantos... y  la letra es tal vez un mensaje hacia
una persona así.
Need a Pity Day la escrbió el batero? Con esas guitarras y todo ? un groso.
Last Dance fue el primer tema que escuché el día que Argentina se vino del mundial con 4 pepas de los alemanes. Me importaba más ver a los Kavs por vez primera, encima que sabía de memoria el primer disco
escuché un tema nuevo. ¿Que más podía pedir?
Sorprende hacia donde lleva su voz Tiago en Away from all We Know, otra gran balada que encara la parte final del disco (me encanta pensar que una banda pone un tema de estas características en cierto
lugar temporal del disco, que no lo deja librado al azar, que tal tema tiene que estar ahí por una razón) junto a otra canción de rock and roll también con voz áspera como Love Scripts, que tal vez en sus
versiones previas haya sido más cruda. Y para el final Waiting for the times to change es el final de este
disco más que esperado para mi. Un tema que podría sonar en la radio, que debería sonar en la radio. El packaging está increíble, sobre todo porque hacen que el disco resalte entre otros. Pero no hace falta. Con las canciones es suficiente.

Luis Alberto Spinetta (1950 - Para Siempre)

Hoy hace frío y el silencio anda suelto por ahí. Otra guitarra que se desenchufa, otro micrófono que se apaga. Se fue el Flaco Spinetta, no precisamente uno de los grandes, sino el más grande, así de simple y disculpenme quienes no piensen así.
Podría haber escrito algo ayer, pero sinceramente no pude ni acercarme al teclado. Es mucha tristeza. En verdad tal vez todos imaginábamos el desenlace, pero tan pronto... a lo mejor un alivio, pero estas son conjeturas propias de panelistas de la tele, que seguramente y de un modo muy hipócrita se llenará de esa música que quien escucha a Luis sabrá muy bien de que se trata. También imaginamos las "revistas especializadas" y demás figuras del circo.
Queda la música su ofrenda, a la vez que nuestra inspiración y consuelo. Desde Almendra hacia adelante miles de músicos, muchos hoy de gran nombre, agarraron una guitarra y se juntaron con otra gente para formar una banda y ensayar "Ana No Duerme" o bien se quedaron a solas en el universo que implica una habitación aprendiendo los acordes de "Todas las Hojas Son del Viento" o "Canción para los días de la Vida". Ahí están Fito, Pedro Aznar, David Lebón, Gustavo Cerati y el mismísimo Charly entre otros.
Escuchar sus discos es una experiencia hermosa y saludable, y es tanta la variedad que ha desrrollado en su vasta carrera que tanto un fan del heavy como del jazz pueden llegarse hasta su música y salir satisfechos...si es que tenés ganas de salir. Haberlo visto en vivo (en mi caso, al igual que haber visto a Pappo) ahora alcanzará ribetes míticos, pero en ese momento fue un momento mágico y lleno de energía. La primera vez fue agosto del 95 y eran Los Socios del Desierto, y en un concierto donde el 90 por ciento de los temas eran inéditos - el debut discográfico de los Socios se dió 2 años más tarde- el Flaco se guardó para el final una gema invalorable, inolvidable. Esa noche de invierno, Spinetta desde el escenario del Teatro El Cículo nos regaló "Los Libros de la Buena Memoria". Y a la salida pasó por al lado mío. No pude decirle absolutamente nada, solo lo saludé con la mano y el siguió camino apresurado hacia la camioneta respondiendo con la cabeza.
No voy a extenderme más, no queda mucho por decir. Gracias Luis. Hasta siempre

Charlas de disquería

Esto fue cerca del 09-09-09, el día que había salido editada toda la discografía de The Beatles remasterizada. Como es moneda corriente, espero para comprar algún disco ,ya no voy a la puerta de la disquería el mismo día (And now my life has changed in oh so many ways!). No es el local que voy habitualmente, pero no deja de ser algo interesante. Ahí estaban todos los discos pero en versiones "económicas" o sea, en un cd-r.
"Me llevo A Hard Day's Night" dije, como para comparar con la vieja edición 87. En eso se da vuelta un tipo que estaba entre los exhibidores
"¿Beatles?, ¿Estás comprando un disco de los Beatles?" preguntó inquisidor
"ehhh... sí, como no tengo por ahora para el origi..."
"Puff.... yo estoy mucho más avanzado en la música"

Ahí me di cuenta que había debate en puerta o con un erudito que habría de darme un sermón sobre el rock sinfónico y/o progresivo o un pelotudo importante. El rock sinfónico habría de esperar...

"Ah si? ¿Y qué escuchás?" pregunté casi con miedo
"Rock moderno, Maná"
-Manal, el grupo de Gabis? refiriéndome a los padres del blues argento
-No, los mexicanos, el grupo de Fher, yo fui el primer DJ que los pasó en Rosario - dijo orgulloso
-O sea que vos tenés la culpa. Pero dijiste que estabas más avanzado...
-Vos no escuchaste nunca un disco de Maná?
-No, estoy muy entretenido con los de los Beatles
-Pero es muy viejo, suena mal! - espetó ya con nubosidad en aumento
-Maná tal vez tenga mejor audio, pero no me emociona... Si es rock latino escucho a Soda
-No entendés nada - seguía el DJ... ¿Manalesco, Manalero, Manalista?- Soda le robó todo a Maná!

O me estaban haciendo una cámara oculta o finalmente el destino me había puesto delante de mi némesis... no podía ser, me atacó gratuitamente a los Fabulosos Cuatro y ahora se tiraba contra los Asombrosos Tres!
Me subió un poco la presión, pero no por lo que decía , ya que infinidad de opiniones cruzadas he mantenido con fans respetables de los Stones  y Ricoteros que merecen el mayor de mis respetos, pero esto era demasiado.
-Al menos Cerati se viste bien, loco - le tiré- Ese Fher parece un futbolista
-Pero en serio, jamas escuchaste un disco de Maná?
-Bueno, si escuché un tema... y es lo mismo que escuchar todos los discos.
-Yo fui a México y de allá me traje todos los discos
-Bueno, te felicito. A ver, no me parecen malos... es que no me mueven un pelo
-Pero tenés que modernizarte! no entiendo como la gente sigue comprando música vieja
-La buena música no envejece. Mirá Beethoven o Mozart
-No vas a comparar a Mozart con los Beatles
-Por supuesto que no, Mozart no vendió tantos discos...

Luego de mi intención de parafrasear a McCartney, el tipo me miró feo. Su afán evangelizador... ¿Manalófilo? había caído en saco roto, más aún cuando le digo al dueño de la disquería+
-A ver, poné un poquito

Y en el diminuto local resonó la Rickenbacker y luego John cantaba "It's been a hard day's night..."

Los dos Flacos

Uno me llevó al otro. En 1989 descubrí a Soda para que se quede siempre y cuando Gustavo sacó "Amor Amarillo" y allí "Bajan", fui a Spinetta. Ese año, el Flaco editaba "Fuego Gris", discazo que lo hizo tal cual Gustavo en "Amor Amarillo"; solo (con un par de colaboraciones).
Tal cual hice con Soda, que desde "Doble Vida" fui para atrás y esperé "Canción Animal" ya como un fan más, con Spinetta también fui hacia atrás, aunque no fue lo mismo, ya que eran muchos más discos y más cambiantes, Jade (que nunca me terminó de cerrar) la etapa solista de los 80, muy jazzera, Invisble, Pescado Rabioso y Almendra. Estas dos últimas bandas fueron un martillazo en el bocho.
En 1995 pude ver a Spinetta por primera vez en vivo. Fue el 27 de agosto en El Círculo cuando presentó a Los Socios del Desierto. Casi tres meses después vi por primera vez a Soda Stereo en la Plaza Moreno de La Plata.
En 1996 fui testigo, como todos ustedes, de otra muestra de amor de Cerati hacia Luis Alberto, en el solo (tremendo) de Te para 3, que incluía, como una gema sonora, el riff de "Cementerio Club", proveniente del mejor disco del Rock Argentino: Artaud.-
Y así te puedo nombrar un montón de sensasiones, una de las últimas, cuando vi (en el DVD de "Las bandas Eternas" al Gustavo fan de Spinetta en acción, tocando emocionadísimo Bajan al lado de su ídolo y luego decir "si hay un sueño cumplido, es este". Dios de cielo, cuanta emoción, como lloré esa tarde.
Y ahora esta noticia del Flaco nos golpea allí donde nos estábamos haciendo fuertes frente a la realidad que atraviesa (y da pelea) Gustavo. Duele, la puta madre que duele. Me acuerdo de George Harrison y miro al cielo suspirando largo. Y no me voy a prender a los que quieren cambiar a Gustavo y Luis por los Wachiturros. Ellos no estarían de acuerdo. Una vez Pedrito Aznar dijo que toda la música le llega a alguien y no hay que condenar a nadie porque hace una música que no nos gusta. Condenables son quienes roban y matan día a día, ya sea con un arma o detrás de un despacho. Condenable es quien no hace nada por nadie, quien no da amor de ninguna manera. Y quienes creemos en Dios no le reclamemos nada porque ya bastante que los envió con semejantes talentos a, simplemente, alegrar nuestros días con canciones que están bien metidas en el fondo de nuestros corazones. Solo recemos por ellos, y aquellos quienes no crean, que les envíen sus buenos pensamientos. Es apenas una milésima forma de devolver tanta felicidad, que no es otra cosa que lo que nos produce la música.

Hilda Lizarazu - Gabinete de Curiosidades (2004)

4 años después del final de Man Ray, Hilda Lizarazu ya solista nos entregó un finísimo relato de sus años en la provincia de Córdoba. "Paré para parir" resume Gabinete de Curiosidades, compuesto desde 2002 y, maternidad mediante, editado en 2004.
Amapola abre las cortinas de este disco fresco como una mañana de primavera y comienza también cantándole a su hija. Musicalmente sorprende con esos slides que incluso están en el solo. Enganchada se suelta "Juntos Separados" un relato de vaivenes de pareja con un enfoque más adulto, acorde con la tónica del disco y de la nueva etapa de Hilda. "El Volcán" trae unos sonidos que remiten a otra diosa del rock llamada Stevie Nicks, sobre todo en aquellos ochentosos Fleetwood Mac de Tango In The Night, y nos lleva de paseo por el centro de la Argentina hacia el oeste. "El Pulso" tiene de invitado a Leo García, referente del pop desde los tardíos 90, que viste a la canción de la electrónica que tan bien maneja.
"A Otra Historia" nos regala una breve reunión de Man Ray, ya que en ella tocan Tito Losavio, Fernando Lupano y Lautaro Cottet, pero en un sonido que aquella banda, aun no reivindicada, jamás registró en ninguno de sus discos. Y "Uriel, de San Telmo a Salsipuedes" hace un relato de alguien que encontró el amor en las cercanías del Camino Real y la Posta de Sinsacate, que podría ser la misma cantante. Lo distintivo del tema es un acordeón que le da a la canción un aire de polca muy divertido.
"Esperanza de Fútbol" se suma a "La bengala Perdida" de Spinetta en la temátiza de señalar lo absurdo de los barrabravas en el fútbol, ya en un tema de Piropo (1995) la Lizarazu cantaba "Rara palabra / barrabrava va a matar". Aquí actualiza la queja: "Un hincha apunta a matar / dispara contra el jugador / en su remera hay sangre y pasión viril" remarcando lo macho de esta arista del deporte más popular.

"Acuarela de los Montes" es un homenaje al artista Fernando Fader, donde brilla la interpretación del dobro a cargo de Botafogo y un solo verdaderamente incendiario. En la batería está una verdadera leyenda rescatada del olvido y de viejos vicios: Black Amaya (Ex Pappo's Blues y Pescado Rabioso) . Es el punto, si se quiere, más rocker del disco. Un rock dedicado a un pintor y hablando de la luz natural, que lejos se ubica de la cervecita, la esquina y demás tonterías del "maldito rock".
"Camino Real", con sus sonidos naturales y el trompe del inicio presenta esa voz tan clara maravillada con ese paraje cercano a Jesús María en que vivió hasta que este disco salió a la luz, también inicia la parte final del disco, que prosigue con "Primera Flor" llena de vida y misterio, de luz e imágenes de infancia temprana, por supuesto relatando la llegada de su hija a este mundo. Casi conceptualmente continúa "Microclima", una de las primeras canciones que Hilda dio a conocer en conciertos previos a la grabación de este trabajo que se mereció mejor difusión. "No siempre quiero lo mismo para mí" declara Lizarazu entre acordes beatlescos, quien escribe este review tampoco, por eso "Gabinete de Curiosidades" es un gran trabajo que conforme pasa el tiempo suena mejor.
"Abre" es la última canción, con el tono del disco, sin apuro, con mucho aire, relajada pero firme. Y el bonus track es una innecesaria versión de "La Reina de La Canción" con su creador Roque Narvaja y Ciro Fogliatta en los teclados. Pero tal vez adelanta "Hormonal" el siguiente disco de la histórica corista de Charly García, que se ubica ma cercano al pop de su famoso grupo.

Pescado Rabioso - Desatormentándonos (1972)

Luego de la experiencia seminal y fundacional de Almendra con sus dos discos, uno de ellos doble y un trabajo solista hecho para cumplir un contrato (Spinettalandia Y Sus Amigos, que también salió editado bajo otros nombres; "La Búsqueda de ls Estrella" y "Almendra" (!)) Luis Alberto Spinetta inició un nuevo capítulo en 1972 y junto a Black Amaya y Bocón Frascino formaron Pescado Rabioso, debutando en vivo el 5 de mayo de ese año en el cine Metro.
Luego de grabar en el invierno canciones suficientes para un disco doble, cosa que en esta oportunidad no se dio, a fines del 72 sale a la calle "Desatormentándonos", que en su sobre interior (la tapa es muy, pero muy loca) traía la siguiente cita:

El pueblo es la estrella mágica. Todos la vemos parecerse al río. Los gusanos de los emperadores trepidan en apocalíptico festín. Ellos no tienen tiempo de recurrir a las armas. La estrella las fusionó todas en un plano infinito. La cabellera de los torturadores sangra en mi carro. Nosotros: desatormentándonos para siempre..
Y el álbum propiamente dicho comienza con el "Blues de Cris", que cierra la trilogía de canciones inspiradas por y escritas a Cristina Bustamante, aquella chica que Luis inmortalizó en "Muchacha (Ojos de Papel)" y a quien le devolvió el color robado en "Para Ir". Aquí el amor se acabó, y como es de esperar en un joven de 22 años, se despacha con cierta furia y sonoramente nos avisa como viene la mano. Luego otro blues, pero el trió ya se olvidó de chica alguna, levó las anclas y a volar. "El Jardinero (temprano amaneció)" es un alucinado viaje de nueve minutos donde un jardinero al despertar advierte la destrucción que han causado las hormigas en su tierra. Muchísimos efectos de sonidos que entran y salen y deliran deliran deliran.

Luego del psicodélico pasaje, una calma bucólica se apodera del trío, que se despacha con "Dulce 3 Nocturno", composición de Bocón y hermosa canción acústica que evoca algunos momentos almendrísticos. Pero la quietud dura poco, más cuando el amenazante riff de "Algo flota en la Laguna" no pone de plano en otro blues lisérgico, ominoso y bien encuadrado en un estilo que ya reconocemos tras cuatro álbumes distintos pero definimos con una palabra: spinetteano.
Para el final, Pescado Rabioso presenta un nuevo integrante: Carlos Cutaia, quien es gran protagonista del último tema del disco: "Serpiente (viaja por la Sal)" llena de climas y de sensasiones desérticas. Tan inspirada como la canción anterior y más larga, además, sirve como adelanto de lo que sería el segundo opus de la banda, ya con Cutaia en el line up definitivo y presentado a David Lebón como bajista en lugar de Bocón.
Más allá de los 5 temas que tiene, "Desatormentándonos" sirve de piedra basal junto a "Pescado 2" para entender aun mejot lo que hoy se conoce como "Heavy Metal Argentino"

PD: Yo te amo Beatles

Virus - Locura (1985)

Locura, acto de un loco de de varios locos... . Este disco, publicado a fines de 1985 al igual que Virus mismo, es toda una provocación para ese rock argento tan macho que nunca pudo librarse de esa pose, de ese lastre (la pose macha, como bien indicaba Moris...) Aún hoy 26 años después de su publicación es tan moderno e intimidante que no ha sido superado en su carga sexual y sensual. Es el disco favorito de Federico Moura de la banda platense en la que estuvo al frente desde 1981 hasta su partida en 1988. Y motivos no le faltan.
Un piano casual, de bar o disco vacía a media luz nos da la bienvenida en la intro de "Pronta Entrega" para luego soltarse en una fiesta hedonista que se mantendrá con ciertos matices a lo largo del disco. Aquí no se habla de amor, si de placer, satisfacción y ansiedades. La celebración de los '80 evocando al amor libre de los sixties... si, ya sabemos como terminó la fiesta, pero mientras tanto bailemos en una noche de calor...
"Tomo lo que encuentro" con un synt vibrafón reafirma en un tono acasó medio melancólico que al protagonista no le importa la cuestion del amor y se va a otro lugar (Nueva York, donde vivió Fede parte de su vida) para sentirse mejor. La letra es poca y no importa, la sugerencia se mete entre el bajo y los teclados que se la pasan murmurando antes de la voz del aeropuerto que anuncia el próximo vuelo en el disco: "Pecados para dos". La insolencia de un riff hecho desde el sinte en la canción que originalmente iba a dar nombre al disco en sí. Infierno, enfermos, cositas fuera de lugar... la mágica voz de Moura nos ubica a través de palabras clave que la "sociedad normal" (y dentro de lla, muchos músicos) utilizaba para señalar a ciertas cosas que "estaban mal".

"Destino Circular" musicalmente es lo mas british del disco y tal vez de toda la obra de la banda, una gran prescencia del bajo y de los coros en el estribillo. Y mención para los teclados, que van fantasmalmente por debajo saliendo cada tanto como haciendo travesuras en el transcurso de la canción.
Abran paso para el himno de Locura: "Una Luna de Miel en la Mano", uno de los hits supremos de la historia del Rock Argentino. ¿Quien contó de esa manera tan especial algo tan poco comentado como una masturbación?. Tal vez afuera, The Divinyls con "I Touch Myself" pero años después. ¿Pero acá?. Cuando el Virus post - Moura hizo el tema en el muy recomendado cd/dvd en vivo "Caja Negra" (2006), el invitado para hacela junto a Marcelo Moura fue Ale Sergi, de Miranda!, banda que con muy poco ha sido nombrada heredera del legado de Virus... bueno, si, ponele...
El otro momento "melanco" es "Dicha Feliz", pero solo en la música, con una batería que sugiere pasos lentos en la tarde y los teclados junto a las guitarras esparcidos como los resabios de una lluvia en la copa de un árbol, por aquí y por allá... pero es solo un momento.
Todo se suelta en "Sin Disfraz". El bajo desencadena junto a esos teclados, tan modernos, el descontrol y todo, absolutamente todo vale. Cuantas frases, cuanta malicia. "En taxi v (b)oy Hotel Savoy" "Ya no se si es hoy o ayer o mañana" "Como si fuera peligroso y nudista..." guau, que carga explosiva para casi el final, que se completa con "Lugares Comunes" donde por un instante (ingeniosamente luego de "sacarse el disfraz") Federico Moura abandona su papel cínico y pide que no rompan su corazón por vanidad, aunque no sin antes decirle a su compañía que para alcanzar las fantasías solo se necesita comenzar. Todo es una ficción, una simulación (el rock entero debería ser entendido como una farsa, solo hace falta comprenderlo) Y en la obra de Virus se cierra de esta manera este gran acto llamado "Locura". La confirmación del gran momento que la banda estaba pasando llegaría con su siguiente disco, "Vivo", que oficiaba de recopilación y primer mirada hacia atrás con una gema solitaria: "Imágenes Paganas"...

Serú Girán - Serú 92 (1992)

Los discos-reunión son una rara entelequia a la que se someten de cuando en cuando los músicos dejando atrás toda diferencia ($$$) y metiéndose en un estudio con la misma gente que en el pasado no soportaba en las sesiones de grabación / ensayos / conciertos. Y todo vuelve a sonar exactamente igual... o casi o peor. Pero hay excepciones a la regla y Serú '92, editado a mediados de 1992, es una de ellas.
Ya habían pasado diez años de la partida de Pedro Aznar a Boston, dejando a Serú Girán como un trío disfuncional, por lo cual editaron un disco en vivo groseramente maquillado en estudio (No Llores Por Mí, Argentina) y rápidamente David Lebón, Charly García y el propio Aznar publicaron sus respectivos discos solistas.
Al llegar 1991 la reunión de "Los Beatles Argentinos" era un secreto a voces, remarcado por un segundo disco de la dupla García/Aznar llamado "Tango 4" del que salieron no pocas ideas. Lebón editaba "Nuevas Mañanas", un disco flojísimo, como todo el último tramo de los 80 en la carrera del guitarrista y Oscar Moro ya hacía bastante que había tenido algo parecido a un éxito y fue su breve participación en Riff a mediados de la década anterior.
Quienes esperaban algo parecido a cualquiera de los cuatro discos de estudio que Serú sacó entre 1978 y 1981 se encontraron desorientados al escuchar "Queen Elizabeth" , el track instrumental compuesto por Charly que abría el primer y único disco con material nuevo de la banda en 10 años. Sin embargo, los sonidos claramente preseteados del sinte de García, sumados a toda la banda nos lleva en un instante al Buzios del 78, cuando los 4 jóvenes de ayer disfrutaban del paraíso mientras en nuestro país el infierno crecía de a poco. Luego llega "Mundo Agradable", la canción de David que lleva un inconfundible solo de viola lebónico y que se convirtió hasta en un jingle del Canal 9 de Buenos Aires. Fue el primer corte del disco y todo un muestrario del disco. ¿Para qué otra vez "Alicia en el País?. Si bien las cosas no estaban perfectas (nunca lo estarán en este bendito país) ya no era necesaria una denuncia solapada como la de aquella gran canción. Y si hacía falta, ellos, señores que ya estaban grandes (todos con cerca de 40 años y Aznar estrenando sus 30 años) estaban juntos para disfrutar haciendo música. Y este disco es sólo eso, el placer de la música en sí. Tal es así que hasta hay lugar para un tema claramente sobrante de "Filosofía Barata.." como "No puedo dejar", un rockito de bajo vuelo en donde sobresalen los coros de Pedro. Luego, otra canción de David, "Ese Tren" nos muestra el grandioso baterista que es Oscar Moro y el tremendo bajista que es Pedro.

Y es justamente el bajista, quien se transforma en el gran protagonista del disco y el director musical de esta reunión, igualando a sus compañeros y superándolos por mucho en varios momentos del disco. Ahí está como prueba "A Cada Hombre, A Cada Mujer" una hermosa composición de Aznar, que los tiene, por primera vez, a García, Aznar y Lebón uniendo sus voces en las estrofas de una canción que se ubicó directamente en el corazón y que Pedro suele tocar en sus conciertos hasta nuestros días. A continuación llega otro patinazo de García / Aznar: "Hundiendo el Titanic" hace peligrar un poco el nivel de la obra y es un tema que se ubica dentro de las humoradas de "Shaka y Laka" (como se autodenomiban entre sí Charly y Pedro, un poco a la manera de los "Glimmer Twins" Jagger & Richards) como "Cucamonga Dance" de Tango 4. Con "Transformación", el mejor tema de Charly y otra vez compartiendo estrofas con Lebón y Aznar. Acaso aquí está el único punto de contacto con "aquel" Serú... años más tarde el mismo García versionó esta canción transformándola, justamente, en un monstruo.
"Déjame entrar" pone el foco en la reciente Guerra del Golfo (1991, y casi en sintonía con "Queso Ruso" de los Redondos, pero desde otro lugar) y los desatres ambientales, mostrando esa sensibilidad tan cara a Pedro Aznar. También hay una reversión de este track en el excelente disco de dúos que hizo el multiinstrumentista en 2004 con el piano de Adrian Iaies dejándola sencilla y exquisita al mismo tiempo...

"Nos veremos otra vez" es uno de esos lentazos de David al piano que entra tranquilamente en la línea de "Esperando Nacer" aunque sin ser tán épica. Igualmente la cohesión entre los cuatro da como resultado una canción sólida que tuvo cierta rotación en las radios. ¿Querían Beatles? Bueno, allí está "Si me das tu amor", bien McCartney en el bajo y desde las armonías, redondeando la idea puramente musical de este regreso que lamentablemente jamás se repitió, ya que Moro falleció en 2006. Para cerrar este disco, Lebón se hace cargo de su mote de Clapton Criollo y nos regala un blues que es "Muévete al Hablar". ideal para cerrar el episodio "de estudio" del regreso de una de las bandas fundamentales de la música vernácula.

Las presentaciones en vivo de Serú Girán en ese 1992 (donde hicieron 2 River) fueron más bien accidentadas, más que nada por un García que ya se estaba empezando a mirar en el distorsionado espejo que terminaría siendo "Say No More" y que había sido iniciado por "La Hija de la Lágrima" en 1994. Pero esa es otra historia

Soda Stereo - Canción Animal (1990)

Hubo un tiempo que fue herm...perdón. TOMA 2!
Hubo un tiempo en que Soda era todo, en la TV en la radio, en los diarios y revistas de rock, las de chismes y hasta en las de adolescentes. En las paredes y en los colectivos, los stereos de los autos y , si, era hermoso. Fue hace 20 años cuando Soda Stereo sacó Canción Animal y fue un antes y un después. La presentación en Velez, el 22 de diciembre de 1990 fue impactante. La magia de una época en 40 minutos. Por supuesto que luego hubo grandes trabajos tanto del grupo como de Cerati solista (Dynamo, Sueño Stereo, Ahí Vamos o Fuerza Natural), pero acá esta la quintaescencia Stereo, el disco capital, su obra maestra.
La "monada" venía de Doble Vida y su sonido funk a tono con el fin de los años 80 (tan sobrevalorados hoy) y se esperaba con ansias el nuevo disco que estaba siendo grabado en Criteria Records en la soleada Miami. Nadie entendió nada cuando el ritmo de 7/8 de "En el Séptimo Día" abría el disco de una manera rockerísima y a la vez oficiaba de carta de presentación del Soda modelo '90. Crudo, psicodélico y renaciendo como el legítimo heredero de Almendra. Aquelarre y Pescado, Los Beatles y Zeppelin, todo en estos 4 minutos y medio y luego las citas a estos grupos fundacionales seguirán a lo largo del disco. La letra es majestuosa y la voz, arreglada por Pedro Aznar, nos pone en la situación que estamos frente a un cantante de Rock And Roll del carajo, como queda demostrado en el siguiente tema, "Un millón de años Luz", balada donde se pone de manifiesto el concepto casi hostil del amor cuando se termina y queda reducido al sexo cual cenizas que te hipnotizan y de alguna manera te siguen atrayendo.
El tema que da título a la obra es oscuro y además de tener a Zeta en el Stick y a Gustavo con el E-Bow, lo tiene a Daniel Melero en los teclados y como co-autor de la canción (animal).
1990 es el "tema raro" de la placa, que con una letra procupada nos trae de vuelta el toque Beatles, de la mano de Aznar con su “Baby Please!”
Soda se transforma en la Gran Bestia ROCK en los primeros acordes de “Sueles Dejarme Solo”, el tema se desrrolla denso y pesado, con referecias a Zep, Vox Dei y al cierre abrupto del lado A de Abbey Road, luego del ruido blanco de los sintetizadores. Nuevamente la excelente vocalización de Gustavo y su condición de Guitar Hero hacen otro hito en un álbum sin fisuras.

El lado B arrancaba con el Hit Supremo: “de Música Ligera”, cantada hasta el hartazgo (1996?) por Soda en casi la totalidad de sus conciertos, primer corte y video (fantástico, con una técnica de sobreimposición de imágenes inédita hasta la época) y hasta parodiada 10 años más tarde por el mismísimo Cerati (“Llamen a Moe”). La estructura estrofa suave sin guitarras, estribillo al palo es una marca de los Smithereens y preanuncia lo que nos traería el petiso Cobain un año mas tarde con Nevermind y “Smells like teen spirit”.
El pop continúa su curso con “Hombre Al Agua”, un relato… acerca de un hombre en el agua. Más allá de la música, con su inconfundible “influencia turca” made in Melero, este tema recuerda a John Lennon, cuando deciá que “Help!” era en realidad un pedido de ayuda hacia él mismo. El tema de Soda cita al de los cuatro de Liverpool (“voces que se agitan /help! Help!) y me pregunto si el náufrago llegó a la orilla… parece que sí, ya que la siguiente rola (Hola México!!!) es”Entre Caníbales”. Oda al sexo oral (desopilante Zeta cuando canta “Come e de mi / come la mia carne”)
Guitarras acúaticas / acústicas , reversas y un solo digno del legendario Carlos Santana.
Te Para 3… acaso la canción más melancólica del rock argentino. La primer canción enteramente acústica de Soda y un Cerati extremadamente íntimo que comienza a despedirse de su padre. Cuando la hizo en el Ultimo Concierto de 1997 y la dedicó (a Juan José Cerati) River aplaudió con piel de gallina (perdón por la redundancia… je).
Canción Animal llega a su final con “Cae el Sol”, hermosa canción de Cerati-Melero en donde no participa Charly Alberti (la bata es electrónica y la programó Gustavo), fue el último corte del disco, ya en 1991 y con el video tomado de una de las 14 presentaciones del disco en el Gran Rex (Record arrebatado a Charly García que tenía 10 y luego superado por Sandro con 25 en 1995, Soledad en 2000 con 40 y Bandana 2 años más tarde con 90). El tema es optimista aunque la pizca agridulce en la lírica se denota al final con ese recitado de corte casi tanguero, justo antes de darle paso al arpegio de “Here Comes The Sun”, otra cita beatle y nuevamente del disco Abbey Road (curiosamente, en la serie de Gran Rex, hicieron un cover rarísimo: la melodía y letra de I Want You (She’s so Heavy) con la música de The End, ambos del mismo LP de 1969).
Este disco no podía ser presentado en vivo de otra manera más que la desmesura de una gira denominada “La gira Animal” que tuvo fechas en lugares impensados de la Argentina, 14 recitales en el Gran Rex entre junio y julio de 1991 y la apoteósica presentación en la Avenida 9 de Julio el 14 de diciembre de 1991, congregando de manera gratuita a 250.000 personas.
Soda estaba en lo más alto de su carrera y era todo (imaginate tener 15 años en ese tiempo…).
Y fue hermoso. Nada más queda