El Factor Jeff Lynne

Cuando Jeff Lynne disolvió la Electric Light Orchestra en 1986, tras editar "Balance Of Power", no se imaginaba tal vez todo el trabajo que tendría por los siguientes 10 años.
Ese año, la ELO se despedía de los escenarios compartiendo cartel con George Harrison. Allí el ex Beatle hizo buenas migas con Jeff y lo invitó a producir su disco solista "Cloud 9" (1987), donde además de participar en guitarras y bajos, se codeó con los amiguitos del Dark Horse, Ringo Starr, Elton John y Eric Clapton. Luego de la salida de este exitoso álbum, George quiso escribir un lado B para uno de los singles de Cloud 9, y entre amigos que se iban juntando para tocar en ese tema (Handle With Care) nacieron en 1988 los Traveling Wilburys, esto es Lynne y Harrison más Bob Dylan, Tom Petty y Roy Orbison. las sesiones fueron producidas por los dos primeros, pero Lynne se impone con un sonido que ya se va haciendo familiar.

Ese mismo año, Lynne estuvo en la consola de sonido para dar forma al que sería el último registro de Roy Orbison : "Mystery Girl", ya que el Hombre de Negro fallecería en diciembre de  1988, justamente el mismo día que "You Got It" llegaba al Nº 1. El tema fue compuesto por Orbison, Lynne y Tom Petty
Luego llegó el turno de un disco solista de este último sin sus Heartbreakers: Full Moon Fever, en 1989, que por la ausencia de Dylan, no fue un segundo disco de los Wilburys cantado íntegramente por el rubio de Florida, donde el hit "Free Fallin" fue compuesto por el barbeta Jeff...
Al año siguiente, los Wilburys se reunieron para de algún modo rendir homenaje a Roy en el segundo disco titulado "Vol 3" (por eso se rumorea que el Vol 2 es en verdad "Full Moon Fever"). Tambien Jeff Lynne editó su primer disco solista: "Armchair Theatre", donde particia Harrison en guitarras y coros
Tras trabajar en 1991 ahora sí con Petty y los Heartbreakers en su genial "Into The Great Wide Open" (que incluye "Learning To Fly" y el tema que bautiza el disco) dedicó 1992 a darle forma al disco póstumo de Roy Orbison "King Of Hearts" y a supervisar la mezcla de la grabación de los conciertos ofrecidos por George Harrison junto a la banda de Eric Clapton que devinieron en el doble "Live In Japan". Ese mismo año 1992 fue uno de los productores responsables de la vuelta triunfal de Ringo Starr con "Time Takes Time". De este modo Lynne ya había trabajado con dos de los tres Ex Beatles sobrevivientes...
Es por eso que las piezas se juntan y en 1994 (continuando en 1995) Jeff fue encomendado por George, Ringo y Paul McCartney para trabajar en el ensamble de viejas grabaciones en cassette de John Lennon, reuniendo de una manera muy particular a los Beatles con Free As A Bird (editado en 1995) y Real Love (en 1996) como parte del megaproyecto "Anthology".

Ya en 1996, con las tres partes de Anthology en la calle, Paul sabía muy bien que contar con Lynne en la producción sería un detalle más que interesante (al principio estuvo reacio a que el  exlíder de la ELO moldeara el sonido de los Beatles, promoviendo a George Martin), es por eso que Jeff Lynne fue el principal productor de "Flaming Pie" (editado en 1997), donde además de las canciones características del viejo Paul, se pueden escuchar también esas baterías secas, esos coritos y además la batería de Ringo, por lo cual además hay un puente con la Antología...
Sugiero escuchar estos discos

1-George Harrison,Cloud Nine
2-Traveling Wilburys, vol 1
3-Roy Orbison, Mystery Girl
4-Tom Petty, Full Moon Fever
5-The Beatles, Free As A Bird / real Love
6-Paul McCartney, Flaming Pie

Freddie Mercury (5 de Septiembre de 1946)

Leyenda por decisión propia, Héroe de la vida y Maestro del Rock. A pesar de ser contemporáneo, llegué tarde a Queen, lo primero que escuché fue "Who Wants To Live Forever" en Cuarto Año de la secundaria ya en 1992 y me mató. ¿Quién podía cantar así? Solo el. Años más tarde comencé a comprar de a uno sus discos y disfrutarlos como un vino que con el tiempo ha añejado haciéndolo más delicioso aún. Y su música se niega a envejecer tal como el lo hizo. Escuchar esos arreglos de rock, de pop, de dance y de ópera solo me hacen -disculpen- despreciar a los grupos de hoy. Y más teniendo en cuenta que Freddie, con el sida minándole su salud, entraba a estudios para entregar su alma en forma de canciones inmortales y en estos tiempos tenemos que aguantarnos señores que dicen cancelar una gira por "agotamiento físico y mental" ¿se dan cuenta lo que quiero decir? ¡Por Dios, que grandes son algunos y otros tan chiquitos! 
Queen en 40 años de carrera solo con la mitad (cuando estaba Mercury) le alcanza y le sobra para dejar a todos los que vinieron después boquiabiertos y pagando. En su música estaba todo, desde las canciones con blend "Beatle" (Need Your Loving Tonight, el paso de vaudeville de Killer Queen) el pop negro (Another One Bite The Dust), el rockabilly made in Elvis (Crazy Little Thing Called Love), el funk rock con el cual 10 años después triunfarían los alucinantes Red Hot Chili Peppers (Dragon Attack), el heavy metal (varios pasajes de los dos primeros discos y otros temazos de la etapa final, como The Hitman, en Innuendo) y la consabida pata operística, cuya máxima expresión es Bohemian Rhapsody , ya indiscutiblemente la mejor canción de rock de todos los tiempos. 
Podría estar horas escribiendo sobre la maravilla que es la música que nos dejó este Grande. pero hoy solo diremos: Feliz cumpleaños, donde quiera que estés.

Nirvana (2002)

6 años y medio después de la muerte de Kurt Cobain, el resto de la banda decidó editar un compilado de grandes éxitos llamado simplemente como la banda, en una tapa cuasi fúnebre, austera, de riguroso negro con las letras en plateado. Una forma de ver lo que fue la misma banda: un brillo con una oscuridad alrededor que no se suponía al menos peligrosa hasta el tremendo fuck you de Kurt volándose los sesos.
El disco comienza con "You Know Your're Right", que solo tiene la particularidad de ser la primer canción inédita de Nirvana tras el suicidio de su líder (tras aquel hecho, sólo se editaron registros en vivo: Unplugged en 1994 y From The Muddy Banks Of The Wishkah en 1996) y no más que eso, ya que si bien contiene el "sonido Nirvana" o sea el Grunge, no va más allá de la anécdota por no ser una canción que llegue siquiera a los momentos más flojos de In Utero o Bleach.
Luego arranca desde el primer disco de 1989 con la canción que menos lo representa: "About A Girl" o como agarrar "With The Beatles" y pasarlo por una procesadora punk rock. Luego de pasar "Been A Son" (la versión correspondiente al EP "Blew") y Sliver (single que luego salió en "Incesticide") llega el tanque que finalmente hundió la psiquis del rubio, cuando en realidad el se reía de su generación: "Smells like teen spirit". De ahí en adelante, todo es conocido hasta el hartazgo- "Come As You Are", "Lithium" e "In Bloom", pero aún así da gusto volver a escuchar esas explosiones de rabia convertidas en canciones con un excelente audio gracias a la mano maestra de Butch Vig.
El trío de Cobain, Grohl y Novoselic se las ingenió para sacarse de encima las esquirlas de la fama de Nevermind y sacaron "In Utero", que en un momento se iba a llamar "I Hate Myself And I Want To Die" (ninguno se dio cuenta que el petiso no jodía...) con canciones mucho más ásperas, más cercanas a Bleach, pero con un intento de limar sus puntas por parte de Steve Albini (productor de los Pixies y las Breeders)  y Scott Litt ( este último habitual colaborador de REM, banda favorita de Kurt): De allí provienen "Heart Shaped Box" (una de las canciones remezcladas por Litt, pero cuya versión incial aparece en este álbum) "Pennyroyal Tea" (el single que iban a lanzar en abril del 94, cancelado tras la muerte de Cobain) la corrosiva y muy polémica "Rape Me" y "Dumb", que podría tener un parentesco lejanísimo con "Eleanor Rigby" de The Beatles...
Para el final, Nirvana (el álbum) guarda tres de las grandes joyas de ese bellísimo Unplugged que dejaba suponer los pasos de la banda de no haber sucedido el "Big Fuck" de Cobain: "All Apologies", el cierre de In Utero que acá consigue un desarrollo mucho más que intersante gracias al cello, "The Man Who Sold the World" que fue una sorpresa absoluta - Cobain versionando a Bowie!! - y el aterrador tanto como sublime cierre con "Where Did You Sleep Last Night", con Kurt aullando por última vez de la mano de todos sus fantasmas, que lo llevarían pocos meses más tarde a un final que venía gritando hace años.
En un caso único, Nirvana como banda ha sido un movimiento en sí. El grunge fueron ellos y solo ellos, poniendo a otras bandas como representantes de la movida solo por vivir en Seattle, aún con perdón de Pearl Jam, Sound Garden y Alice In Chains, grandes bandas de hard rock americano y metal con grandísimas canciones, pero que no tocaron la fibra sensible como lo hicieron los de Aberdeen.

The Beatles, And In The End... (1970 - 2013)

Para quienes amamos la música, la separación de una banda a la cual seguimos es un dolor extraño porque de todos modos la música seguirá allí cada vez que se nos ocurra, como mínimo, poner un disco. Me pasó con Soda hace casi 15 años pero con los Beatles no, ya que aun faltaban 5 años y medio para que quien escribe esto asomara el marote por primera vez y 15 para que escuchara "A Hard Day's Night" por vez primera. Pero igual pasa algo parecido a un largo suspiro por el lado de la nostalgia, cosas de la mitología y las leyendas cuando se acerca una de estas fechas (las otras son el 29 de noviembre y el 8 de diciembre). Y ,qué duda cabe, que John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison lo son. Cada uno de ellos y en el principio bajo un mismo nombre que equivale a magia. Probablemente los Beatles sean la banda más escuchada y menos vista, ya que tocaron apenas 6 años en vivo... pero es indudablemente la más amada y más allá de las movidas del marketing, la salida de un "nuevo disco" de los Fab produce una sensación que solamente conocen los beatlemaníacos que desde hace 43 años siguen emocionándose al escuchar "Hey Jude", "Day Tripper" o "Something".
La disolución de los Beatles - el abandono de Lennon en 1969 y la confirmación de Paul al año siguiente en un día como hoy - es un dolor de crecimiento por el cual ellos y su música debieron pasar. Y nosotros, por supuesto, también. All Things Must Pass
Sin embargo siempre que se aborda cualquier momento de la historia beatle se lo hace de un modo similar al de la historia de... ¿Jesús?... ¿Al final Lennon no estaba tan errado?. Y hoy 10 de abril es una fecha doblemente significativa, ya que el anuncio de la ruptura va de la mano de la edición del primer disco solista de Paul, llamado justamente "McCartney", así, solo, sin el "Lennon / " que lo antecediese. Un golpe al centro de los sentidos de los beatleros de esa época.
Más allá de los datos y citas y frases que se han copiado y pegado hasta el hartazgo, e incluso mucho más allá de la decisión de sus propios integrantes, a 43 años los Beatles siguen más vivos que nunca. Y de ninguna manera es una frase hecha. Es toda una realidad. Al menos dentro de cada corazón que vibra co "I Want To Hold Your Hand".

Miguel Abuelo - 26 de marzo (1988 - 2012)

El eterno duende, el saltimbanqui, el Artista. Miguel Abuelo es, transcurridos 24 años de su muerte, aún para muchos un misterioso universo a descubrir.
Ya con los Abuelos de La Nada (los ultrafamosos de los años '80 o los casi desconocidos de los '60) o solista, Miguel siempre echará luz sobre la pálida tristeza y convertirá magicamente el ambiente con solo un saludo. Buen día, día.
Fue el primero que nos demostró que el Sueño Beatle se podía vivir en la Argentina y en castellano. Como prueba perenne de eso ahí está "Diana Divaga", la réplica del sismo de Liverpool en Plaza Francia. Y dos años antes que apareciera el Flaco Spinetta con Almendra.
También fue uno de los capitanes de la modernidad del "poptimismo" de hace 30 años junto a Soda, Virus y Los Twist, y tan importante fueron los Abuelos en esos tiempos que de esa banda surgieron nombres como Andrés Calamaro (que había pasado por Raíces, pero sus canciones resonaron junto al Abuelo) Cachorro López y Daniel Melingo.
Su muerte, junto a la de Federico Moura, apenas 9 meses después, le puso fin a la década de los 80 y comienzo a los alertas con un tema serio como el HIV.
Sin embargo, lejos de morir, su obra cobró otra dimensión con el tiempo. Tal vez no se hizo ícono como Luca o Pappo. Miguel se abre paso en lo eterno con sus canciones, con eso basta.
Más allá de toda pena, siento que la vida es buena hoy

Cerati / Melero - Colores Santos (1992)

 

"Colores Santos" apareció entre marzo y abril de 1992 y fue una verdadera bomba musical, aun para los seguidores de Soda Stereo. Capas y capas de guitarras, voces susurradas, solos de guitarra inspiradísimos y sonidos electrónicos conformaron ya no un disco, sino una obra de arte que no ha sido superada 18 años mas tarde ni por los propios Soda, que medio año después lanzaron el psicodélico y caótico "Dynamo", acaso una secuela de este objeto de arte firmado por Gustavo CeratI Y Daniel Melero.
"Vuelta por el Universo" inicia el viaje y es verdaderamente el sountrack de una incursión espacial con la suavidad de la voz de Cerati, que se había perdido un poco en la hostilidad de "Canción Animal". Extasiados los oídos de tanta ensoñación nos mete el disco en "Marea de Venus", un tema divertido que enumera nombres de chicas (reales o ficticias) junto a situaciones y caracteríaticas o estereotipos... hay guitarras sampleadas o directamente de sintetizadores, gesto rockero y provocador si los hay.
Me sigo fijando en la lista de temas que el cd reproduce de la contratapa del vinilo y prosigue la misteriosa y sexy "Pudo Ser". La voz de Carola Bony me sugería cosas imposibles (ja) y el tema en si es un ¿blues? No... Daniel no permitiría algo así y dispara teclados (aunque bien puede ser Gustavo) sobre el final, en fade out y con gemidos que te dejan carburando. El momento cachondo se suelta con "Quatro", en donde Cerati y Melero nos llevan a una disco europea sin escalas. Dee Lite en un tono más kitsch nos ofrecían por esos años los mismos sonidos hipnóticos invitando al dance o al trance.
"Hoy ya no soy yo" nos muestra una excelente canción firmada por la dupla, confesos admiradores de Lennon/McCartney y que se puede notar en este tema que ya es un clásico.

¿Qué se puede decir de "La Cuerda Planetaria"? Que es el delirio de dos lunáticos experimentando en el estudio y sacando a relucir la palabra más esquiva a nuestros rockeros nacionales: Riesgo. Cerati extendiendo los límites como estrella del mainstream y Melero surgiendo desde las profundidades del Under y bajo su capa (recordemos su condición de científico loco) asoman sus criaturas que tiempo mas tarde castigarían los escenarios de Buenos Aires (Babasónicos, Juana la Loca, Die Blumen etc...) en este tema se esconde esa revolución sónica que habría de desarrollarse desde ese momento...
La calma de playa de "Cozumel" nos seda y prefiere acariciarnos al atardecer. Desde la compactera viene esa brisa de dos voces ("el aire ríe")  Delicioso.
Hay cierta dureza en "Tu medicina" y la presencia tecno de Melero se aleja por completo aquí para que el rock de Gustavo Cerati se imponga en esta elegía a la muerte de su padre ocurrida en ese tiempo. El solo se le pone a la par al de "Génesis" grabado 4 años más tarde.
"Alborada" (que lo recuerdo ahora y no estaba en el LP) precede al último tema y es un soundscape que por ese entonces era algo inédito en los discos y cierra el tema que da nombre al disco, entre "Cae el Sol" y "Un millón de años Luz" para dejar en la historia del rock argentino un disco irrepetible y al punto tan de estudio que jamás fue presentado en vivo.

Celeste Carballo - Chocolate Inglés (1992)

Precedido por un maxi publicado en 1991 (Celeste Carballo en Buenos Aires), la artista sorprendió al año siguiente con un álbum que se metió bajo la piel de mucha gente, llegando incluso al nivel que hay personas que sin ser seguidores de Cece, son fanáticos de este disco.
Chocolate Inglés es un trabajo amable en todos sus aspectos, divertido y casi casual, sin poses. No cuesta mucho imaginar a Celeste en su casa armando las canciones para luego llevarlas al estudio y que allí siga esa sensación de intimidad y calidez que recorre el álbum. Tal vez por esta razón, Chocolate Inglés dialogue relajado con discos como "Pelusón Of Milk" de Spinetta y "Amor Amarillo" de Gustavo Cerati.
"Todo Empieza" inicia el viaje con el sol de la mañana y la brisa entrando en la ventana junto al ruido de las hojas en otoño y esas notas con acústica redondeando el concepto. La letra es sencilla y  hermosa, y es una de esas canciones que te acompañan en momentos de la vida, así como "Let It Be" de los Beatles
Luego llega el blues nuestro de cada disco, un cover de "Hablando a Tu Corazón" de Charly, en un tono que nos anticipa por 4 años el sonido que nos traerá alguien como Sheryl Crow. Sutil

"Marcando el compás" con tecladito es divertida y hasta la hizo en TV junto a Juana Molina, se nota la improvisación y lo que disfrutó la cantante al grabar este tema. Igual matiz adquiere "Cuatro Brazos, Cuatro Piernas" grabado un año antes y de un modo más rocker por Fabiana Cantilo en su exitoso "Algo Mejor".
"Siempre con vos"  es otra gema pop que sirve de bisagra para pasar al segundo acto de Chocolate Inglés. Y acá hay una conjunción única : "El Día Que Me Quieras", de Carlos Gardel, tocada magistralmente por Charly García, en la Voz (sí, con mayúsculas) de Celeste Carballo. Encima el video muestra a Julio Bocca mostrando su grandeza y a esos dos grandes amigos que son Charly y Celeste.
"Están Sonando Campanas" llega como una dulce canción de amor, pero no precisamente del amor de pareja, del erotismo, sino del entendimiento y de sentirse bien en todo nivel. "Glosa de Navidad" trae un toque melanco con algún que otro acorde menor y luego llega otro amigote a cantar. Se trata de Andrés Calamaro para cantar a dúo "El Chino" que fue hit y hasta integró la lista de temas de una compilación que daba cuenta de los 40 años del Rock Nacional.
Para finalizar, queda el tema que le dió título al disco, firme y emocional blues al piano que Carballo ha venido interpretando ocasionalmente en estos 20 años desde que apareció.
La edición en CD incluía como bonus tracks al final los cuatro temas del maxi "Celeste Carballo en Buenos Aires": "La Otra Orilla" "Yo no te pido" (interesante lectura del clásico de Pablo Milanés), el tangueado "Tu Amor es Lila" y "Queja" (musicalización de un poema de Alfonsina Storni a cargo de Celeste Carballo). Un disco soleado de las manos y el corazón de una artista escencial de la música argentina